El Teatro Barroco Español

El Arte Nuevo de Hacer Comedias de Lope de Vega

En El Arte Nuevo de Hacer Comedias en este tiempo (1609), Lope de Vega expone los principios de su innovadora fórmula teatral, conocida como la Comedia Nueva. Esta obra surge como respuesta a un encargo de la Academia de Madrid, que le pidió una justificación de su teatro en un ‘Arte nuevo’, posiblemente con intención burlesca. Fiel a su ingenio, «nuestro Fénix» respondió con otra burla: un poema en verso endecasílabo blanco (sin rima), de estilo italianizante e irónico. En él, Lope explica las características fundamentales de la comedia nacional española, destacando la importancia de la verosimilitud (aunque adaptada al gusto del público), la creatividad y el respeto a los gustos del público como claves de su éxito.

Características de la Comedia Nacional

Principios Ideológicos y Estructurales

• La comedia española se sustenta en dos pilares ideológicos básicos:
  • La fe católica: omnipresente en la sociedad de la época, dificulta según algunos críticos la tragedia pura, ya que el héroe puede trascender el sufrimiento terrenal convirtiéndose en mártir o encontrando consuelo en la vida eterna.
  • La honra: entendida como la reputación y el valor del individuo dentro de la sociedad, regida por un estricto código social – «ser quien se es» como miembro de una comunidad. Los conflictos de honor son un motor frecuente de la trama.
• Las obras se dividen estructuralmente en tres actos o jornadas (planteamiento, nudo y desenlace).
• Se mezcla lo trágico y lo cómico (tragicomedia), rompiendo con la separación clásica de géneros. Predominan los finales felices, aunque existen excepciones notables.
• De las tres unidades clásicas aristotélicas (lugar, tiempo y acción), Lope defiende flexibilizarlas. Generalmente respeta solo la unidad de acción (una trama principal), aunque a menudo introduce una acción secundaria que complementa, contrasta o enriquece la principal. Las unidades de tiempo y lugar se tratan con mucha libertad.
• Se emplea la polimetría: se combinan diversos tipos de versos y estrofas, tanto castellanos (romances, redondillas, quintillas, décimas) como italianos (sonetos, tercetos, octavas reales), buscando la adecuación de la forma métrica al contenido de la escena y al personaje que habla (decoro poético).

Personajes Tipo y Representación

• Aparecen personajes tipo recurrentes, fácilmente reconocibles por el público:
  • El galán: joven noble, valiente y enamorado.
  • La dama: joven noble, bella y objeto del amor del galán.
  • El gracioso (o figura del donaire): criado del galán, caracterizado por su ingenio, humor y visión pragmática de la vida; sirve de contrapunto cómico y confidente.
  • La criada: confidente de la dama, a menudo pareja del gracioso.
  • El padre o viejo (barba): figura de autoridad, generalmente padre o hermano de la dama, preocupado por la honra familiar.
  • El poderoso: rey, noble o antagonista que representa el poder y a menudo desencadena el conflicto.
• La mayoría de las obras se representaban en los corrales de comedias, espacios de representación habitualmente situados en patios interiores de casas de vecinos, a los que acudían todas las clases sociales, aunque ocupando localidades diferenciadas según su estatus y pago. (En Almagro, Ciudad Real, se conserva un famoso y hermoso corral de comedias).

Motivación de Lope

Lope de Vega, que vivía de su escritura teatral, fue consciente de la necesidad de crear un teatro que conectara con el gran público. Él mismo lo expresó con ironía en su Arte Nuevo, reconociendo que adaptó su arte a las demandas populares para ganarse la vida:

«Necesidad y yo, partiendo a medias
el estado de versos mercantiles,
pusimos en estilo las comedias».

Lope de Vega: Creador de la Comedia Española

Producción Literaria y Éxito

Aunque su fama se debe principalmente al teatro, Lope de Vega (1562-1635) fue un autor extraordinariamente prolífico que cultivó casi todos los géneros literarios de su época (poesía lírica, épica, novela pastoril, bizantina…), con la notable excepción de la novela picaresca.

Como se ha mencionado, fue el gran creador y consolidador de la Comedia Nueva o comedia nacional española. Por la fecundidad y rapidez de su producción dramática, fue aclamado en vida con sobrenombres como «Fénix de los Ingenios» y «Monstruo de la Naturaleza». Se le atribuyen unas 1500 obras teatrales (aunque él mismo dio cifras variables y muchas se han perdido), de las que se conservan alrededor de 314 comedias y 42 autos sacramentales.

Su enorme éxito se debió a varios factores:

• La nueva comedia era acorde con los gustos y la mentalidad de la época, ya que supo adaptar el género teatral al carácter y los valores españoles del momento.
• Su estilo se caracterizaba por la claridad, la naturalidad y la llaneza expresiva, haciéndolo accesible a un público amplio.
• El contexto social y religioso de la España de la Contrarreforma no era propicio para el desarrollo de la tragedia clásica pura, favoreciendo la fórmula tragicómica de Lope.

Su objetivo principal era entretener y complacer al público («el vulgo») y a los actores, cansados de las rigideces del drama clasicista. Así, inspirándose en la vida circundante, postula lo «natural» sobre el «arte» (entendido como las reglas neoclásicas). El tema del amor, central en su propia vida apasionada, es también omnipresente en su obra. Buscaba conectar con el gusto popular, sin renunciar a satisfacer a espectadores más cultos mediante reflexiones morales, sentencias («sabias sentencias») o versos elaborados, procurando «dar a cada uno lo suyo». Ofreció al público de su tiempo lo que demandaba: entretenimiento, exaltación de la fe y el honor, conciencia de la grandeza nacional, emoción y regocijo… y el país lo aclamó como su mayor dramaturgo.

Temas Recurrentes en su Obra

• Nacionales: Basados en la historia, las crónicas y las leyendas de España. El Romancero viejo y las canciones populares fueron fuentes de inspiración importantes. Ejemplos: Fuente Ovejuna, El caballero de Olmedo, Peribáñez y el comendador de Ocaña.
• De enredo y de capa y espada: Tramas ingeniosas centradas en el amor, los celos y el honor, ambientadas en el mundo urbano contemporáneo, con personajes nobles o burgueses. Ejemplos: La dama boba, El perro del hortelano. También se incluyen aquí dramas de honor más serios como El castigo sin venganza.
• Otros temas: Religiosos (comedias de santos como La buena guarda, autos sacramentales), mitológicos (El laberinto de Creta), de historia extranjera, pastoriles, bizantinos, etc.

Obras Destacadas

(Nota: A continuación se resumen brevemente dos obras clave. Se recomienda consultar argumentos más detallados para un estudio completo). Entre sus muchísimas obras, destacan títulos como: Peribáñez y el Comendador de Ocaña, Fuente Ovejuna, El perro del hortelano, El caballero de Olmedo, La dama boba, El castigo sin venganza.

Fuente Ovejuna

Este drama se basa en hechos históricos ocurridos en la villa cordobesa de Fuente Obejuna a finales del siglo XV, pero Lope los reinterpreta desde la perspectiva social y política de principios del siglo XVII.

La obra se estructura en tres jornadas:

1. Primera jornada: Presentación del conflicto. La aldea de Fuente Ovejuna sufre bajo el gobierno tiránico del Comendador Fernán Gómez de Guzmán, quien abusa de su poder feudal y acosa a las mujeres del pueblo, especialmente a la joven Laurencia, prometida del labrador Frondoso.
2. Segunda jornada: Desarrollo y punto de inflexión. El Comendador interrumpe violentamente la boda de Laurencia y Frondoso, encarcela al novio por haberlo desafiado y rapta a la novia para abusar de ella.
3. Tercera jornada: Clímax y desenlace. Laurencia consigue escapar, regresa a la aldea malherida y pronuncia una encendida arenga que incita al pueblo a la rebelión. Los vecinos, unidos («todos a una»), asaltan la casa del Comendador y lo ajustician. Cuando un juez enviado por los Reyes Católicos investiga el crimen, tortura a hombres, mujeres y niños, pero todos responden unánimemente: «Fuente Ovejuna lo hizo», asumiendo la responsabilidad colectiva. Ante la imposibilidad de castigar a todo un pueblo y reconociendo la justicia de su causa contra el tirano, los Reyes Católicos finalmente perdonan a la villa y la toman bajo su protección directa.

La acción es dinámica y mantiene la tensión dramática. Los personajes incluyen los tipos habituales de la comedia (galán -Frondoso-, dama -Laurencia-, poderoso -Comendador-, rey -Fernando el Católico-), pero el gran protagonista es el personaje colectivo del pueblo de Fuente Ovejuna, que actúa como un solo ser en defensa de su dignidad y honor. También destaca la evolución de figuras como Mengo, que trasciende el papel de simple gracioso para mostrar valentía y solidaridad. El tratamiento del espacio y el tiempo se supedita a las necesidades de la acción dramática. El estilo busca la naturalidad y el decoro poético (adecuación del lenguaje al personaje y la situación). La métrica es variada (polimetría), reflejando la maestría de Lope en el uso del verso dramático, predominando las redondillas y otros versos de arte menor en los diálogos ágiles.

El perro del hortelano

El título de esta comedia palatina proviene del refrán «El perro del hortelano, ni come ni deja comer al amo», aludiendo a quien no aprovecha algo ni deja que otros lo hagan, lo que refleja perfectamente la actitud de la protagonista.

La trama gira en torno a la condesa Diana de Belflor, una mujer noble, rica y altiva, que se enamora de su atractivo secretario, Teodoro. Sin embargo, su estricto sentido del honor y la insalvable diferencia de clases le impiden confesar abiertamente sus sentimientos y aceptar una relación socialmente inaceptable. Diana vive en una constante contradicción: se siente atraída por Teodoro y celosa cuando él muestra interés por Marcela (una de sus damas), pero lo rechaza con frialdad y desdén tan pronto como él intenta corresponder a sus veladas insinuaciones. Este comportamiento, como el del perro del hortelano, genera un ciclo cómico y angustioso de acercamientos y alejamientos.

La solución al embrollo llega a través de un ingenioso engaño urdido por Tristán, el gracioso y fiel criado de Teodoro: inventa una elaborada historia según la cual Teodoro es en realidad hijo perdido de un noble, el conde Ludovico. Gracias a esta oportuna y conveniente artimaña (agnición fingida), el obstáculo de la diferencia social desaparece milagrosamente, el honor de Diana queda a salvo ante la sociedad y la pareja puede finalmente casarse.

El amor, avivado constantemente por los celos (el juego amoroso de Teodoro con Marcela actúa como catalizador para que Diana reconozca sus propios deseos), finalmente triunfa sobre las rígidas y, desde la perspectiva de la obra, algo ridículas convenciones sociales de la época. La comicidad de la obra reside en gran medida en la aguda exploración psicológica de los celos y el orgullo, en la inversión de roles (la dama toma la iniciativa amorosa, aunque de forma encubierta y contradictoria) y en el retrato irónico de las barreras sociales y las contradicciones del corazón humano.

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