26 Dic
Juan Ramón Jiménez – “El mar”
Juan Ramón Jiménez, en su segunda etapa (intelectual, 1916–1936), desarrolla una poesía pura, desnuda y simbólica, influida por el Modernismo y el simbolismo, donde busca la esencia de las cosas y la eternidad. En “El mar”, el poeta reflexiona sobre el mar como símbolo de la identidad, la creación y la búsqueda de sentido, comparándolo con un parto que se da a sí mismo, mostrando la relación entre naturaleza y proceso creativo. También se percibe la soledad y la individualidad del mar, que refleja la introspección del autor.
El poema tiene estructura libre:
Versos irregulares (endecasílabos y heptasílabos), sin rima fija, con ritmo creado por pausas y repeticiones. Destaca el estribillo “por encontrarte o porque yo te encuentre”, que enfatiza la idea central.
Entre los recursos literarios se usan:
Apóstrofe:
se dirige al mar, identificándose con él.Metáforas y simbolismo:
mar = universo; parto = creación artística.Personificación:
el mar lucha y se busca.Construcciones binarias y poliptoton:
desorden sin fin / hierro incesante; sin compañera o sin compañero.Repetición / estribillo:
refuerza el tema de búsqueda.Imágenes sensoriales y exclamaciones retóricas:
Dan musicalidad y emoción.
El estilo es lírico, conceptual, introspectivo y reflexivo. Usa sustantivos y verbos más que adjetivos, con un lenguaje sencillo pero profundo, buscando transmitir ideas abstractas sobre la existencia y la eternidad.
Corriente:
Modernismo y simbolismo → poesía pura y conceptual.
POEMA:
Es raro que seamos tantos en el mundo (Caza nocturna, 1992-1996)
Corriente:
Poesía contemporánea española, feminista, experimental, vinculada a la nueva vanguardia del Siglo XX.
Argumento:
El poema reflexiona sobre la escritura y la lectura. La poeta critica cómo algunos hombres escriben de forma falsa, egocéntrica o siguiendo normas rígidas (“decálogo”). Resalta la importancia de autoconciencia y honestidad en la escritura, y cómo las mujeres pueden tener otra manera de expresarse, más consciente y crítica, evitando mentir y centrarse solo en sí mismos.
Tema:
La autoconciencia en la escritura, la honestidad y la libertad en la expresión literaria; la diferencia en la forma de escribir entre hombres y mujeres.
Estructura: Inicio (v.1–4):
Presenta la paradoja de la sociedad: mucha gente, pero casi nadie dice la verdad.
Parte central (v.5–13):
Narra la experiencia de leer fragmentos autobiográficos; reflexiona sobre cómo los hombres y mujeres escriben distinto, y cómo los hombres tienden a la falta de autocrítica.
Final (v.14–24):
Da consejos implícitos para escribir bien: evitar la mentira, no centrarse solo en uno mismo, no ser excesivamente seguro ni seguir reglas rígidas (“decálogo”). Aquí aparece la idea de que la autoconciencia es clave para la escritura.
Métrica y recursos literarios: Verso libre, con encabalgamientos que generan ritmo y continuidad (v.2–3; 5–6; 17–21).
Paralelismos:
v.1-2 “tantos en el mundo / tantos en la ciudad” refuerzan la idea de abundancia y contraste.
Hipérboles:
en los cuatro primeros versos, exagera la cantidad de gente y la mentira generalizada.
Metáforas y sinestesias:
“hablaba con su ojo” mezcla lo visual con la interpretación subjetiva.
Asíndeton:
omite conjunciones para dar rapidez y tensión al final del poema.
Antítesis:
contrasta la forma de escribir de hombres y mujeres.
Tiempos verbales:
empieza y termina en presente (atemporalidad y vigencia de la reflexión), intercalando pasado al narrar la lectura (v.5–12), uso de infinitivos para indicar normas de escritura.
Conclusión:
Este poema refleja la esencia de Olvido García Valdés: escritura consciente, crítica y reflexiva. Defiende la libertad creativa y cuestiona la tradición literaria patriarcal, proponiendo un lenguaje propio de mujeres, introspectivo, sincero y rompedor.
POEMA:
(de Soledades, galerías y otros poemas, 1907)
Corriente:
Modernismo intimista con influencias ROMánticas de Bécquer y Rosalía de Castro; simbolismo.
Argumento:
El poema muestra al “yo poético” caminando y reflexionando sobre la vida, la naturaleza y un amor perdido. Se mezcla la observación del paisaje con los sentimientos internos del poeta, que siente nostalgia y vacío existencial por un amor doloroso.
Tema:
La búsqueda de sentido y belleza en la vida, el amor perdido, y el vacío emocional y existencial que deja.
Estructura: Externa:
24 versos octosílabos distribuidos en 6 estrofas alternando cuartetas y redondillas.
Interna:
Primeras 3 estrofas: el poeta evoca el paisaje y recuerda un amor doloroso mediante una canción popular. Últimas 3 estrofas: la naturaleza refleja el dolor y la pérdida; el paisaje se oscurece y se desvanece, como el amor. Cierra retomando la canción popular y el lamento.
Métrica:
Octosílabos (arte menor). Cuarteta: 8a 8b 8a 8b Redondilla: 8a 8b 8b 8a Rima consonante.
Recursos literarios: Símbolos:
camino = vida; espina = amor doloroso; tarde = melancolía; ensueño = reflexión introspectiva.
Léxico connotado:
palabras que reflejan vacío y desolación (“polvorienta”, “sombrío”, “mudo”, “se oscurece”).
Adjetivos epítetos:
“aguda espina dorada”, “colinas doradas”, refuerzan contraste de dolor y belleza.
Enumeración y asíndeton:
da ritmo a las estrofas iniciales, más vital.
Polisíndeton y bimembraciones:
en las últimas estrofas para dar lentitud y sensación de desaparición.
Interrogación retórica:
muestra divagación del yo poético.
Apóstrofe:
“aguda espina dorada”, destaca paradoja entre belleza y dolor.
Hipérbaton:
altera el orden para resaltar sentimientos (v.8,13-15,20).
Estilo:
Modernismo intimista: sensibilidad hacia el paisaje y la naturaleza, ligada a sentimientos personales. Símbolos y metáforas para expresar emociones profundas. Búsqueda de “voz propia”: la poesía como diálogo interno del poeta con su tiempo y su conciencia.
Conclusión:
Poema representativo de la primera etapa de Machado: combina paisaje, emociones universales y amor perdido, con un lenguaje intimista y simbolista. Expresa la nostalgia, el vacío existencial y la ansia del ser humano por lo inalcanzable, en un diálogo interno lleno de sensibilidad y reflexión.
JOSÉ HIERRO – FE DE VIDA (Alegría, 1947)
Poesía desarraigada (posguerra española). Poesía existencial, realista, con lenguaje sencillo y directo, que expresa dolor, desolación, conciencia de la muerte, pero también afirmación de la vida.
Autores relacionados: José Hierro, Blas de Otero, Gabriel Celaya.
Tema
La conciencia de estar vivo frente a un mundo destruido por la muerte, el olvido y la soledad. Aunque todo esté roto, el poeta afirma la vida y la alegría de existir aquí y ahora.
Argumento
El poeta es consciente de que el mundo exterior es frío, muerto y sin esperanza (“invierno”, “todo muerto”). Busca sentido, ayuda y su pasado, pero no encuentra nada. Sin embargo, toma conciencia de que él sigue vivo, se mueve, existe, y eso le permite afirmar la alegría, que acaba venciendo a la desolación.
Estructura
Poema dividido en tres estrofas, cada vez más cortas y más positivas:
Primera estrofa (12 versos)
Visión negativa del mundo: invierno, muerte, soledad, olvido. Todo lo que busca falta.
Segunda estrofa (6 versos)
El poeta se afirma a sí mismo: está vivo, se mueve, se nombra. Aparece la alegría, pero aún frágil.
Tercera estrofa (3 versos)
Triunfo de la vida: aunque todo esté muerto, él está vivo y lo sabe. El título Fe de vida alude al documento que certifica que alguien está vivo → el poema es la prueba vital del poeta
Métrica Verso libre, sin estrofas fijas. Predominan los octosílabos, con algunos versos más cortos destacados. Poca rima (algunas asonancias). Ritmo basado en repeticiones y encabalgamientos.
Recursos literarios Anáfora y paralelismo:
“Sé que si busco…” → insiste en la ausencia y el vacío.
Repetición:
“no la encontraré / no lo encontraré” → refuerza la desesperanza.
Antítesis (contraste clave):
mundo muerto ↔ yo vivo exterior desolado ↔ alegría interior Metáforas:
“invierno detrás de la puerta” = muerte cercana, final de la vida. “toco la alegría” = la alegría como algo físico y real.
Encabalgamientos:
Dan tensión y emoción al poema.
Lenguaje sencillo y desnudo:
Pocos adjetivos, pero muy significativos (“muerto”, “vivo”, “roto”).
Estilo
Lenguaje directo, claro y antirretórico.
Tono existencial, reflexivo y humano. Importancia del yo poético y del presente. Vitalismo dentro del dolor.
Conclusión
Fe de vida es un poema clave de la poesía desarraigada.
Refleja la dureza de la posguerra, pero también la capacidad del ser humano para afirmar la vida a través de la conciencia de existir. Convierte la alegría en un acto de resistencia frente a la muerte y el vacío.
Federico GARCÍA Lorca CONTEXTO Y CORRIENTE Federico García Lorca pertenece a la Generación del 27, grupo que une la tradición literaria española con las innovaciones de la vanguardia. En su obra se aprecia claramente esta mezcla: utiliza formas métricas tradicionales, como el romance o la canción popular, pero renovadas mediante imágenes sorprendentes y un lenguaje muy simbólico. POÉTICA La poesía de Lorca está marcada por un sentimiento de frustración y destino trágico, que atraviesa tanto su obra poética como teatral. El poeta entiende la creación como una uníón de inspiración y trabajo consciente, dando gran importancia a la técnica, al ritmo y a la sonoridad de las palabras.
Su poesía combina lo emocional y lo estético: pasión, dolor y perfección formal conviven en sus versos. TEMAS PRINCIPALES En la obra de Lorca aparecen de forma constante: El amor y el deseo, muchas veces ligados al dolor o a la imposibilidad. La muerte, entendida como destino inevitable. La frustración vital, causada por la represión social. La marginación, especialmente representada por el mundo gitano y otros grupos excluidos. La infancia y la nostalgia. Estos temas se presentan como conflictos entre el deseo de vivir y las normas sociales que lo impiden. SÍMBOLO Lorca utiliza un lenguaje muy simbólico:
La luna
Muerte, destino trágico.
El caballo
Pasión, impulso vital.
Los metales
Dolor, violencia.
La noche y la naturaleza
Instinto, erotismo, libertad frente a lo social. ETAPA NEOPPOPULAR En esta etapa destacan obras como Romancero gitano y Poema del cante jondo. Lorca recupera la métrica del romance tradicional, pero la transforma con imágenes vanguardistas. El gitano aparece como símbolo del ser marginal, condenado a un destino trágico por su enfrentamiento con el mundo establecido. Se fusionan lo popular y lo culto para expresar sentimientos universales. Surrealismo Tras su estancia en Nueva York, Lorca escribe Poeta en Nueva York. En esta obra el lenguaje se vuelve más libre y oscuro, con imágenes irracionales propias del Surrealismo.
Denuncia la deshumanización de la sociedad capitalista, el racismo y la pérdida de identidad. El tono es angustiado y crítico. LENGUAJE Y RECURSOS El lenguaje poético de Lorca es muy rico y expresivo. Destacan: Metáforas y comparaciones de gran fuerza visual. Abundancia de imágenes sensoriales. Uso de recursos de la poesía popular (paralelismos, repeticiones). Ritmo muy cuidado y musicalidad constante.
CONCLUSIÓN La poesía de Federico García Lorca es una de las más importantes del Siglo XX por su capacidad de unir tradición y vanguardia, belleza y dolor, lo popular y lo universal.
Su obra expresa de forma intensa la tragedia del ser humano ante un destino que frustra sus deseos, mediante un lenguaje simbólico y profundamente original. EL Modernismo DEFINICIÓN Y ORIGEN El Modernismo es un movimiento literario de finales del Siglo XIX que supone una profunda renovación de la poesía tanto en Hispanoamérica como en España. Aunque se desarrolla en ambos ámbitos, la primacía corresponde a los autores hispanoamericanos, especialmente a Rubén Darío.
Surge como reacción contra la literatura realista y burguesa anterior y como deseo de ruptura y evasión, mirando hacia otras literaturas europeas, sobre todo la francesa. INFLUENCIAS LITERARIAS El Modernismo hispánico es una síntesis de dos corrientes francesas:
Parnasianismo
Gusto por la perfección formal, el poema trabajado como una obra de arte, los temas exóticos y la belleza sensorial.
Simbolismo
Interés por sugerir realidades profundas a través de símbolos, musicalidad del verso y expresión del mundo interior del poeta. Además, los modernistas admiran la tradición literaria española (Berceo, Manrique, Bécquer, Rosalía), a la que reinterpretan desde una sensibilidad nueva. TEMAS PRINCIPALES La temática modernista está presidida por la búsqueda de la belleza y la evasión de la realidad cotidiana:
Mitología y exotismo, como forma de huida hacia mundos ideales.
Cosmopolitismo, con especial atracción por París.
Mundo interior del poeta, marcado por la tristeza, la soledad o la angustia vital.
Sensualidad y hedonismo, exaltación de los sentidos a través de la mujer, la naturaleza, la música y los perfumes.
Malestar existencial, heredero del Romanticismo. ESTILO Y LENGUAJE El Modernismo concede prioridad a la forma y a los efectos sensoriales.
El lenguaje poético se renueva profundamente: Abundancia de adjetivación y léxico culto, exótico y sugerente. Uso frecuente de imágenes y metáforas.
Importancia de la musicalidad, lograda mediante aliteraciones y ritmo cuidado. Presencia de sinestesias, que mezclan sensaciones de distintos sentidos. Todo el lenguaje está al servicio de crear belleza y sugerir emociones. MÉTRICA La métrica se renueva para buscar mayor musicalidad: Recuperación de estrofas tradicionales como el soneto, la silva o el romance.
Introducción de nuevos versos como el eneasílabo y el dodecasílabo, junto al uso del alejandrino. Gusto por los ritmos acentuales, especialmente ternarios. RUBÉN DARÍO Y EL Modernismo Rubén Darío es el máximo representante del Modernismo.
En su obra se funden lo parnasiano y lo simbolista. Su poesía destaca por: Gran riqueza sensorial. Musicalidad intensa. Uso magistral de la métrica. Evolución temática: desde lo exótico y vitalista hasta tonos más graves y reflexivos. Entre sus obras destacan Azul, Prosas profanas y Cantos de vida y esperanza. ANÁLISIS DEL POEMA «EL CARACOL» LOCALIZACIÓN El poema «El caracol» pertenece al libro Cantos de vida y esperanza (1905), obra de madurez de Rubén Darío, en la que el Modernismo se vuelve más reflexivo e íntimo. TEMA El poema reflexiona sobre la vida interior del poeta, el paso del tiempo y la necesidad de escuchar el propio corazón. A partir de un objeto bello y sencillo, el poeta construye una meditación sobre la existencia, la memoria y el deseo de plenitud. CONTENIDO El poeta encuentra una caracola de oro, cargada de belleza y misterio. Al acercarla a los labios, el sonido evoca mitos clásicos, viajes legendarios y el rumor eterno del mar.
La caracola se convierte en un símbolo que contiene la historia del mundo y los sueños humanos. Finalmente, el poeta revela que esa caracola no es otra cosa que su propio corazón, donde resuenan los ecos de la vida, la poesía y la esperanza. SÍMBOLOS PRINCIPALES Caracol:
Símbolo del infinito y del corazón humano.
Mar
Viaje, misterio, lo lejano.
Azul
Ensueño, ideal, espiritualidad.
Viento
Misterio, fuerza que viene de lo desconocido. RECURSOS ESTILÍSTICOS El poema presenta rasgos claramente modernistas: Lenguaje sensorial y lujoso. Abundantes referencias mitológicas. Metáforas sugerentes. Tono íntimo en la conclusión, reforzado por el verso final entre paréntesis, que actúa como epifonema, sintetizando el sentido del poema. MÉTRICA El poema es un soneto:
Consta de 14 versos alejandrinos.
Presenta rima consonante, propia del soneto clásico. Combina una forma tradicional con un lenguaje y una sensibilidad plenamente modernistas. CONCLUSIÓN
«El caracol» es un poema representativo del Modernismo maduro de Rubén Darío: une belleza formal, simbolismo y reflexión vital.
A través de un objeto sencillo, el poeta expresa la riqueza interior del ser humano y la necesidad de vivir, soñar y escuchar la propia voz interior.
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