El Teatro Español a Principios del Siglo XX

El Teatro de Éxito Comercial

La Comedia Burguesa (Jacinto Benavente)

También llamada comedia benaventina por ser Jacinto Benavente (1866-1954), su autor más representativo, plantea un modelo dramático a la medida de la burguesía de su tiempo. Su primera obra fue El nido ajeno (sobre el papel de la mujer de clase media). Obtuvo el Premio Nobel en 1922. Sus tramas presentan problemas poco conflictivos y mostraban leves defectos de las relaciones personales o sociales. Predomina el diálogo elegante, natural e ingenioso. Su obra incluye dramas rurales como La malquerida o Señora Ama, comedias de ambiente cosmopolita (La noche del sábado), comedias burguesas (Rosas de otoño) y farsas (Los intereses creados), su obra maestra. En ella los personajes de la commedia dell’arte italiana (Polichinela, Colombina…) protagonizan una lucha entre los sentimientos verdaderos y la hipocresía social.

La Comedia Costumbrista

Conocido también como teatro cómico, era la modalidad escénica preferida por las clases populares. Destacan el sainete, la tragicomedia grotesca y el astracán.

• El sainete estaba caracterizado por el ambiente pintoresco de regiones como Madrid o Andalucía, por los personajes típicos y por su lenguaje humorístico. Carlos Arniches, el autor más exitoso, refleja las costumbres madrileñas de los barrios populares, como en El santo de la Isidra (1898).
• En la tragicomedia grotesca aparecen personajes caricaturescos y trágicos a la vez, donde se advierte una cierta crítica social, como en La señorita de Trevélez (1916).
• También destacaron los hermanos Álvarez Quintero (Malvaloca).
• Pedro Muñoz Seca, a través del astracán, busca la comicidad a toda costa, sin reparar en aspectos constructivos o argumentales. Su obra más conocida es La venganza de Don Mendo (1918), parodia versificada de los dramas históricos.

El Teatro Poético

Es un teatro en verso, influido por el Modernismo y caracterizado por sus temas históricos y su conservadurismo ideológico. En él se evocan con nostalgia episodios de un pasado glorioso. Cultivaron este teatro Eduardo Marquina (En Flandes se ha puesto el sol) o los hermanos Machado (Antonio y Manuel) (La Lola se va a los puertos).

Intentos de Renovación Teatral

La Generación del 98

En la Generación del 98, junto con algunas obras de Unamuno (Fedra) o Azorín (Lo invisible), destaca la obra de Jacinto Grau (El señor de Pigmalión).

Ramón del Valle-Inclán

A pesar de que sus obras permanecieron fuera de los escenarios de su tiempo, relegadas a ser «teatro para leer», hoy se le considera como un autor que supo ver más allá de su tiempo por la originalidad audaz de sus obras, sus planteamientos radicales y sin concesiones, la riqueza y expresividad de su lenguaje, y la originalidad de sus temas y estética.

Etapas y Estilos

• Etapa Modernista: Al igual que en su labor novelística, el primer teatro de Valle se inscribe en la corriente modernista, en su faceta más decadente. Cuento de abril o Voces de gesta pertenecen a esta etapa.
• Ciclo Mítico: Pertenecen las comedias bárbaras, trilogía formada por Águila de blasón, Romance de lobos y Cara de plata. La Galicia mítica y rural es el marco en el que se desarrollan estas historias en las que los personajes actúan gobernados por instintos y pasiones violentas y primitivas. La culminación de este ciclo es Divinas palabras (1920). Seres diabólicos, irracionales y monstruosos pueblan esta obra, en la que la avaricia y la lujuria desencadenan todos los conflictos.
• Farsas: Simultáneamente, desarrolla una serie de farsas, donde lo grotesco y la caricatura convierten a los personajes en fantoches y marionetas ridículos. Farsa italiana de la enamorada del Rey y Farsa y licencia de la Reina Castiza pintan un retablo satírico y despiadado de la España isabelina.

El Esperpento

Con la primera versión de Luces de bohemia, Valle da nombre a un género literario propio, basado en la deformación sistemática de personajes y valores con la que ofrece una denuncia de la sociedad española contemporánea. Lo esperpéntico es una manera de ver el mundo, un reflejo de una realidad ya deformada, que nos revela el verdadero rostro de la sociedad española. Los personajes (sean seres de ficción o reales) son seres grotescos en un mundo grotesco, semejantes a marionetas ridículas y de pesadilla, aunque en ocasiones el autor tenga un gesto de ternura hacia ellos.

Rasgos Formales del Esperpento:

• El uso de contrastes entre lo doloroso y lo grotesco y entre lo trágico y lo cómico.
• La riqueza del lenguaje, en el que hay una estilización de registros diferentes: hablas populares, regionales, lenguaje literaturizado…
• Las acotaciones, que adquieren valor literario por su calidad descriptiva.
• Los numerosos personajes y los continuos cambios de espacio y tiempo entre las escenas.

El teatro esperpéntico agrupa la trilogía Martes de carnaval (integrada por Los cuernos de Don Friolera, Las galas del difunto y La hija del capitán) y Luces de bohemia, su obra maestra. Basada en la vida real del escritor bohemio Alejandro Sawa, cuenta la última noche del poeta Max Estrella, quien, acompañado de su lazarillo Don Latino de Híspalis, recorre diversos lugares de un Madrid absurdo, brillante y hambriento, encontrando en todos ellos motivos para la desolación. En sus páginas se refleja la corrupción política, el conformismo burgués, la miseria y la ignorancia del pueblo, la represión ideológica y policial y la pobreza artística de algunos autores y movimientos literarios de la época.

Federico García Lorca

La obra teatral de Federico García Lorca puede llamarse con propiedad teatro poético por la raíz lírica de la que nacen sus argumentos y lenguaje. Su tema dominante es el enfrentamiento entre el individuo (cuyas armas son el deseo, el amor y la libertad) y la autoridad (el orden, el sometimiento a las tradiciones y convenciones sociales). En sus obras predominan las protagonistas femeninas. Sobre ellas se cierne, en mayor medida que sobre los hombres, la amenaza de la frustración.

Primeras Obras y Farsas

Su primer intento dramático, El maleficio de la mariposa (1920), resultó fallido, aunque en ella aparecen ya sus temas posteriores: el amor, la muerte, el deseo, la ilusión. Con Mariana Pineda se acerca al drama lírico, al representar la historia de la heroína ajusticiada por bordar una bandera republicana en la época del absolutismo de Fernando VII. En estas primeras piezas teatrales se incluyen las farsas, como La zapatera prodigiosa y Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín. Ambas provocan una risa amarga a partir del tema tradicional de la mujer joven casada con un hombre viejo.

Teatro Surrealista y Comprometido

Está representado por El público y Así que pasen cinco años. La primera, con gran complejidad técnica, despliega la historia de un amor homosexual: un hombre busca el amor completo y puro, pero se encuentra con el «público» que no admite relaciones distintas a las que permite la Iglesia o la moral tradicional. La segunda es “una comedia imposible”, que anula las convenciones espaciales y temporales del teatro realista. La Comedia sin título (1935) constituye un preludio de la Guerra Civil.

La Trilogía Rural

Sus obras más importantes forman la llamada trilogía rural, compuesta por:

• Yerma: Drama sobre la mujer estéril.
• Bodas de sangre: Representa los preparativos de una boda entre la Novia y el Novio que no pueden celebrar la ceremonia por la aparición de un antiguo amor (Leonardo) con el que huye la mujer.
• La casa de Bernarda Alba: Cumbre teatral de Lorca en la que confluyen sus grandes obsesiones. En ella, Bernarda Alba, que representa la autoridad, impone un luto de 8 años a sus hijas, que prácticamente se ven enterradas en vida. Con la presencia de Pepe el Romano se desencadena una lucha de pasiones que conducirá a un trágico final.

El Teatro en la Generación del 27

Los autores del 27 intentaron crear un nuevo público mediante el acercamiento del teatro al pueblo. Compañías teatrales como La Barraca de Lorca o las Misiones Pedagógicas republicanas pretendieron una educación teatral del público distinto al dominante. Los autores más importantes fueron Alejandro Casona (La dama del alba) y Max Aub (San Juan). De entre todos ellos destacó Federico García Lorca.

Antonio Buero Vallejo

Antonio Buero Vallejo desarrolla una extensa obra en la que critica distintos aspectos del franquismo, como los presos políticos, la falta de libertad creativa, etc. En el conjunto de su obra podemos identificar una serie de elementos constantes:

• La dimensión simbólica de los personajes y de los recursos escénicos. Por ejemplo, la oposición entre luz y oscuridad es fundamental en sus obras. La luz simboliza la verdad y la ceguera simboliza las limitaciones humanas y la ignorancia.
• Otra constante en la obra de Buero será la aparición de personajes con taras físicas o mentales, que se convierten en un símbolo de la sociedad española, mutilada por la dictadura franquista.
• Además, para burlar la censura, Buero sitúa los acontecimientos en otras épocas o en espacios y tiempos no concretos.
• Utiliza procedimientos escénicos como el efecto de inmersión: la realidad se presenta tal como la vive el personaje para que el público se identifique con él.

Etapas en su Trayectoria

1. Primera época (hasta 1957): Predomina un enfoque existencial. Desde el punto de vista técnico, las obras se ajustan a una estética realista y a lo que él mismo llamó “construcción cerrada” (espacio escénico tradicional y progresión clásica de la acción). Destacan Historia de una escalera, que refleja el mundo gris en el que viven las familias protagonistas, cuyas frustraciones se repiten no sólo por el peso de la pobreza en la que viven, sino también por la debilidad personal; y En la ardiente oscuridad. Esta última nos presenta un colegio de ciegos que viven resignados a su condición hasta que llega Ignacio que, en lugar de resignarse, contagia su rebeldía a los demás, hasta que uno de ellos lo mata para que la comunidad recobre la paz.
2. Segunda época (de 1958 a 1970): Cobra mayor importancia el enfoque social, abordando temas como la injusticia, la libertad o la tortura. Para esquivar la censura cultiva reiteradamente el drama histórico, que le permite plantear problemas actuales. En cuanto a la técnica, introduce ciertos cambios, como la construcción compleja de la acción, las rupturas en el desarrollo temporal y los efectos de inmersión. Pertenecen a esta etapa, entre otras obras, Las Meninas, Un soñador para un pueblo, y El tragaluz, donde se recrea la vida de una familia marcada por la Guerra Civil.
3. Tercera época (desde 1970): Intensifica las innovaciones técnicas ya introducidas en la etapa anterior, especialmente el efecto de inmersión. Destaca en esta etapa La Fundación, donde nos introduce en una celda de presos políticos, uno de los cuales cree hallarse en un centro de investigación hasta que comprende la situación real y comparte las angustias y esperanzas de los demás.

Alfonso Sastre

Alfonso Sastre, dedicado plenamente al teatro comprometido y de protesta, sus tragedias son una lucha en la que el individuo sale siempre derrotado. Para él, el teatro debe tener la misión de transformar la sociedad injusta en la que vive el ser humano. En su trayectoria se aprecia una evolución hacia nuevas formas de expresión teatral.

Evolución Estilística

• Tragedia realista: Muestra las consecuencias de un poder injusto sobre los individuos que lo sufren. Técnicamente no se aparta del teatro realista, aunque introduce novedades como la fragmentación en diversos cuadros o el uso de símbolos. La obra fundamental de esta época es Escuadra hacia la muerte (1953), que plantea la tensa convivencia entre un cabo tiránico y un grupo de soldados a su mando que han de desempeñar una misión suicida en primera línea del frente. Esta obra puede entenderse como una tragedia antibelicista, una rebelión contra cualquier forma de tiranía; por otra parte, se trata de una reflexión sobre cómo asumir el peso de la libertad y de los propios actos.
• Tragedia compleja (a partir de los años 60): Aspira a que el espectador se identifique con la tragedia de los personajes como una forma de concienciación social, pero solo después de haber percibido distanciada y críticamente la situación. Como elementos distanciadores aparecen el humor, la ironía, las expresiones coloquiales, la música, la proyección de películas o de diapositivas, los carteles, etc. Son buenos ejemplos de estas características La sangre y la ceniza, sobre la figura histórica de Miguel Servet, el descubridor de la doble circulación de la sangre, que murió en la hoguera víctima de la intolerancia religiosa. El distanciamiento histórico le sirve para esquivar la censura franquista. La obra más significativa de este periodo es La taberna fantástica, donde denuncia el abandono social en el que viven los jóvenes de los arrabales de Madrid, empujados al alcoholismo y a la delincuencia.

Renovación Teatral y Compañías Independientes (Post-1965)

En torno a 1965, los autores españoles comienzan a aplicar en sus obras las tendencias vanguardistas europeas y americanas que se venían desarrollando desde principios de siglo. En esta corriente experimental cabe destacar a Fernando Arrabal. Su teatro se basa en la violencia y el erotismo (el llamado Teatro pánico), tratados con procedimientos surrealistas.

A partir de los años 70, la búsqueda de nuevas formas teatrales dio lugar a importantes cambios en la manera de hacer teatro; el fenómeno más característico de estos años fueron las compañías independientes. Eran compañías teatrales formadas por actores no profesionales que actuaban al margen de los circuitos comerciales y que creaban sus propios espectáculos dándoles un sello personal.

Rasgos Comunes de las Compañías Independientes:

• El rechazo del espectáculo conservador mediante la elaboración de una estética propia y de un intento de autofinanciación.
• La pérdida de la primacía de la palabra y la potenciación de los elementos sonoros y visuales.
• Se dan intercambios entre los actores y el público, que puede implicarse en la representación de la obra.
• El deseo de llegar a públicos más amplios y conseguir la participación de los espectadores, lo que los llevó a apropiarse de técnicas propias de la farsa, la pantomima, el teatro de títeres, el circo o el cabaret.

Algunas Compañías Destacadas:

• Els Joglars: Su nombre hace referencia al papel de los juglares en la Edad Media. Para ellos, el teatro tenía una función social y política: la de hacer crítica social mediante la ironía y la fabulación, centrando su atención en todas aquellas cuestiones incómodas para el poder establecido y creando polémica en la sociedad.
• Els Comediants: Apostaron por el estilo de teatro vanguardista que se hacía en el extranjero, basado en experiencias creativas colectivas sin texto ni directores, frente al teatro clásico que se hacía en España. Practicaron la fusión de géneros, mezclando el teatro con el circo, la música, el audiovisual, etc.
• La Fura dels Baus: Es uno de los grupos más destacados de la escena teatral internacional, con un lenguaje basado en la interacción con el público, la utilización de espacios insólitos y la adaptación de la escena a ellos.
• En Madrid: Destacan grupos como TEM (Teatro Estudio de Madrid), Los Goliardos, Tábano, TEI (Teatro Experimental Independiente).
• En Galicia: Teatro Circo, Chévere…

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