Principios Fundamentales de la Escenografía

División del Espacio Escénico

La división del espacio tiene que ver con la composición del mismo y debe obedecer a la armonía. Los elementos del conjunto deben estar dispuestos en una división del espacio en tres partes, tanto en horizontal como en vertical. Los elementos se colocarán según la importancia y el peso que se les quiera dar en la escenografía.

Planos o Secciones del Escenario

Al hablar de planos, es crucial considerar las dimensiones del escenario; si es grande, se suelen distinguir tres planos. Si consideramos el telón de fondo como plano vertical y el tablado como horizontal, la división sería:

• Más próximo (Proscenio): Intersección de la división vertical con la división horizontal.
• Intermedio: (Normalmente, el centro de interés se sitúa en este término).
• Tercer plano: Límite con el foro.

El Ritmo en la Escenografía

El ritmo es la relación espacial establecida entre las distintas formas. Es el medio de conducir la vista del espectador por un camino fácil hacia el centro de interés. El ritmo también implica fluidez sin obstáculos, a través de una línea continua o interrumpida por una sucesión de formas, planos, colores y valores.

La Variedad en el Diseño Escénico

La variedad rompe con la monotonía. Es la animación, pero debe evitarse en exceso, ya que puede crear confusión. Para ello, es fundamental cuidar las líneas, los colores y los valores.

Iluminación Escénica Profesional

Funciones de la Iluminación Teatral

La función principal es hacer visible al actor y las zonas del escenario. Sin embargo, también sirve para dramatizar la escena, según las necesidades.

• Poca iluminación: Genera incomodidad para el espectador, ya que no percibe lo que sucede en la escena.
• Con una buena iluminación podemos:
  • Dar volumen, resaltar siluetas y crear sombras.
  • Conseguir movimiento y ritmo: iluminar diferentes escenas para marcar un cambio de escena.
• Demasiada luz: Provoca la pérdida de colores y volúmenes.

Componentes y Tipos de Focos Teatrales

Componentes del Foco

Los focos se componen de tres partes principales:

• Lámpara: Produce la luz.
• Espejo o reflector de aluminio: Proyecta la luz.
• Carcasa: Contiene un sistema de agarre para sujetar el foco. La lámpara puede acercarse o alejarse para controlar el haz de luz. Dentro de la carcasa, una lente concentra la luz en un lugar determinado.

En el ámbito teatral, se denomina «enfocar» a la acción de posicionar un foco correctamente para la función.

Tipos de Focos Específicos

• Foco PC (Plano-Convexo): Posee una lente plano-convexa. Su haz de luz es muy definido y es uno de los focos más utilizados.
• Foco Fresnel: Su haz de luz presenta bordes difusos, lo que facilita la unión de dos haces de luz distintos en el escenario. Se utiliza comúnmente para crear contraluces y evitar que el espectador perciba el círculo de luz sobre el suelo.
• Foco de Recorte: Se caracteriza por su espejo móvil de lentes plano-convexas y por su reflector elipsoidal. Produce una luz con contornos muy precisos. Aunque es más costoso que otros tipos, permite «dibujar» sobre el escenario con gran precisión.

Complementos de los Focos

• Viseras: Se utilizan para reducir el haz de luz en los focos PC y evitar que la luz «manche» zonas no deseadas. Se colocan en la boca del foco. En el caso de los Fresnel, las viseras se emplean para evitar fugas o manchas específicas. Los focos de Recorte no usan viseras, sino unas «palas» que cumplen una función similar.
• Gobos: Son accesorios específicos para los focos de Recorte. Permiten proyectar todo tipo de efectos sobre la escena. Consisten en una lámina de metal con un motivo recortado que se inserta en el foco, entre la lámpara y la lente.

Otros Elementos de Iluminación

• Focos PAR: Son lámparas que encierran el filamento y un reflector parabólico dentro de una misma envoltura sellada. Producen un haz de luz casi paralelo, muy concentrado y brillante. Se emplean para «manchar» una zona con un color intenso y concentrado. No ofrecen control sobre el ángulo ni el contorno del haz de luz, manteniendo siempre la misma intensidad.
• Panoramas: Son lámparas que no permiten controlar el haz de luz. Se utilizan para iluminación general y, especialmente, para la iluminación de fondos o cicloramas.
• Tambor de filtros (o de talcos): Generalmente se monta sobre un foco. Contiene filtros de diversos colores que pueden cambiarse a voluntad.
• Sciótico: Permite introducir un filtro y funcionar de manera similar a un foco de recorte.
• Diablas: Son poco utilizadas. Sirven para romper sombras o añadir un matiz especial. Se sitúan al comienzo del proscenio y son el equivalente a las candilejas de la iluminación barroca.

Tipos de Iluminación Escénica

• Luz de Panorama: Se logra utilizando y combinando focos panorama, iluminando de arriba hacia abajo con algunos y de abajo hacia arriba con otros. Para evitar que se marquen líneas de luz sobre el fondo, se emplean filtros difusores.
• Luz Lateral: Procede de los laterales del escenario y resalta la silueta de los objetos que ilumina. No es muy común en la iluminación general de la escena, pero sí es fundamental en la danza y el ballet para destacar figuras.
• Luz Cenital: Cae verticalmente sobre el objeto. Contribuye a resaltar su silueta y produce un efecto muy dramático, aunque también puede generar sombras muy violentas, por ejemplo, en el rostro de un actor, especialmente si se desplaza fuera de la zona exacta donde incide el haz de luz.
• Luz Frontal: Es la luz más utilizada para la iluminación general de una escena. Es crucial asegurar que el foco esté situado a una distancia suficiente delante del objeto para evitar un efecto cenital. Debemos procurar que la sombra del objeto no «manche» el decorado, que la luz no deslumbre al actor y que no se creen sombras que deformen el rostro.
• Contraluz: Es la luz que incide sobre el objeto desde detrás. Esta luz produce una reflexión sobre el escenario en dirección a los espectadores, por lo que el público la percibe con más intensidad que la luz frontal. Una iluminación a contraluz intensa, sin una luz frontal que la equilibre, puede generar efectos muy dramáticos, resaltando la silueta del actor en escena en negro.

El Color en la Iluminación Teatral

• Para una iluminación general, rara vez se utiliza el color blanco, ya que «consume» el color de los decorados y vestuarios.
• El color en la iluminación se logra mediante filtros, que son láminas de acetato teñidas de diversos colores, conocidas como «gelatinas». Estas se venden por pliegos, de los cuales se recorta el cuadrado necesario y se monta en un portafiltros colocado en la boca del foco.
• Utilizar un solo color o una única gama de colores para iluminar una escena puede producir un efecto indeseado. Es preferible equilibrar diversas gamas de color; si el resultado es demasiado uniforme, el efecto deseado se pierde.
• Nunca se deben mezclar colores montando filtros de distinto color sobre un mismo foco, ya que el efecto distaría mucho del buscado y restaría luminosidad al foco.

Mesa de Control o Mesa de Mezclas de Iluminación

• El técnico de luces puede manejar de forma independiente la intensidad de los focos conectados a cada uno de los canales. La combinación de focos que iluminan una escena se conoce como «efecto».
• La mesa de control cuenta con un mando central o «master» que permite controlar todos los canales a la vez. Así, se puede preparar la intensidad de los focos y lograr que los canales elegidos se activen simultáneamente.
• Algunas mesas disponen de dos «masters» (A y B), lo que permite preparar los efectos de luces con antelación.

El Rol del Técnico de Luces

• La función principal del técnico de luces es controlar los efectos bruscos de encendido y apagado. Un buen técnico debe utilizar siempre los reguladores, incluso para encendidos y apagados rápidos («a capón»), y evitar el uso directo del interruptor general. Un encendido brusco a la máxima intensidad puede deslumbrar al espectador.

Diseño de Iluminación Escénica

Aspectos Clave a Considerar:

1. Necesidades de la obra: Considerar los distintos espacios, la escenografía, la naturaleza del texto y el movimiento de los actores.
2. Medios físicos: Evaluar las dimensiones del escenario y el equipo disponible.
3. Potencia eléctrica: La potencia de la que disponga el edificio.

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