El Arte en el Renacimiento

El Renacimiento está considerado como uno de los períodos culturales más importantes de la humanidad. Es el período histórico que se inició en Europa occidental durante los siglos XV y XVI. Se desarrolló en tres grandes etapas:

1. Bajo Renacimiento (o Prerrenacimiento)
2. Alto Renacimiento
3. Manierismo

1. Arquitectura Renacentista

La arquitectura renacentista no siguió los preceptos del arte gótico. En su lugar, buscó influencias en el trabajo arquitectónico romano y bizantino.

• Características comunes: En la construcción de iglesias fue común la utilización de grandes cúpulas y, por lo general, las plantas arquitectónicas fueron concebidas del tipo cruz latina.

Arquitectos más importantes:

• Donato Bramante (1444–1514): Hizo el Templete de San Pietro in Montorio, edificación que aludía de manera directa a los templos griegos de forma circular llamados tholos.
  • A su alrededor destaca la columnata exterior. La estructura está coronada con una cúpula que posee tambor y linterna (para alargarla un poco más y permitir la entrada de luz superior).
  • Con esta edificación se pretendía conmemorar el sitio del martirio del apóstol San Pedro. Bramante también desarrolló la pintura.
• Filippo Brunelleschi (1377–1446): Fue arquitecto y orfebre. Él sí introdujo en sus construcciones algunas características propias del arte gótico.
  • Es conocido por haber sido el creador de la cúpula de la catedral de Santa María del Fiore, que hizo a manera de cúpula nevada. De su base, son llamativas las aberturas circulares llamadas ojos de buey. En la parte superior se ubica la linterna (pequeña torre con una pequeña cúpula llamada cupulín), a través de la cual entra iluminación para ambientar el interior.
  • Otras de sus obras fueron la Capilla de los Inocentes o las iglesias de San Lorenzo y Santo Spirito.
• León Bautista Alberti (1404–1472): Fue el ejecutor del Palacio Rucellai, el cual concibió según la simetría y armonía.
  • Hizo un juego lumínico gracias a los materiales que empleó en la fachada. Combinó los órdenes arquitectónicos, lo que recuerda el empleo similar que se ejecutó en el Coliseo romano.

2. Pintura Prerrenacentista (Siglo XV)

La pintura de comienzos del siglo XV recibió el nombre de prerrenacentista ya que estaba asociada al último período del gótico. Se aplicó considerablemente en la ornamentación de capillas, iglesias, altares y libros de horas. Los temas eran religiosos y presentaban en sus acabados una indiscutible influencia bizantina.

El gran cambio a finales del siglo XV:

• La pintura se abrió al espacio exterior y a la reproducción de la naturaleza, espacio que anteriormente estaba ocupado por fondos de color dorado y representaciones de lo exterior.
• Aparece el término «artista»: Se empezó a emplear para referirse al autor de piezas de calidad estética, en las que podía identificarse el estilo o maestría de un pintor. El autor ya no permanecía en el anonimato (como sucedía en el medievo), sino que los autores firmaban sus obras. Era artista aquel que innovaba y dedicaba su vida al arte.

Pintores destacados:

• Giotto di Bondone (1267–1337): Para algunos estudiosos representa el testimonio de que en esa fecha ya existía un Renacimiento. Algunos historiadores lo califican como el primer renacentista, mientras otros lo consideran un ejemplo a seguir.
  • En sus obras se observa un intento por liberarse de la influencia bizantina, aunque todavía pintaba ojos y manos alargadas. Buscaba humanizar la divinidad.
  • En Padua realizó una serie de pinturas murales sobre San Francisco de Asís que destaca por su colorido. Fue un pintor que introdujo elementos naturales (animales, plantas y paisajes) y edificaciones en sus pinturas de temas religiosos.
• Fra Angélico (1387–1455): Puede considerarse también padre del Renacimiento. Trabajó el espacio (concebido como el sitio en el que se desarrollan las escenas), el aspecto formal y lumínico en sus pinturas.
  • Buscó la belleza y representó lo sagrado como aquello de lo que emanaba la luz. Resaltan sus obras sobre La Anunciación y La Coronación de la Virgen.

3. Escultura Renacentista

Tomó como referencia la escultura románica italiana y las manifestaciones griegas. Su referente inmediato, el arte gótico, pasó desapercibido para los renacentistas. Durante esta época se hicieron esculturas ecuestres (a caballo) y retratos de personajes importantes. Son muestras realistas, precisas, detallistas y expresivas.

Escultores destacados del Siglo XV (Quattrocento):

• Lorenzo Ghiberti (1378–1455): Destacó por el trabajo que realizó (gracias a haber ganado un concurso) en las puertas de bronce del Baptisterio de Florencia. En ellas se ocupó del tema del sacrificio de Isaac, hijo de Abraham, a quien Dios le ordenó ofrecer a su hijo como muestra de obediencia (acto que no se ejecutó debido a la intervención divina).
• Donato Donatello (1386–1466): Considerado uno de los mejores escultores de la historia del arte. Resaltaron sus personajes expresivos y dramáticos. Entre sus obras figuran San Jorge y el David, hechas en bronce. Ambas revelan un maduro dominio de la técnica escultórica en bronce, en la que contrasta el gesto de los jóvenes personajes con la profunda y serena reflexión que transmiten sus poses y actitudes.

Escultor destacado del Siglo XVI (Cinquecento):

• Miguel Ángel Buonarroti (1475–1564): Sobresalió su maestría gracias a su profundo estudio de la anatomía y de las referencias grecolatinas. Realizó sus esculturas como si fuesen hombres y mujeres reales.
  • La Piedad: De gran perfección y belleza. No solo dominó un material rígido como el mármol blanco y lo hizo aparecer liviano, sino que le otorgó las emociones propias de lo representado: la virgen compungida (llena de dolor) mientras sostiene a su hijo Jesús muerto. Es una composición triangular en la que la vida y la muerte se conjugan.
  • El David: Lo esculpió y lo hizo un héroe perfecto: musculoso y atlético, de expresión victoriosa. (Mide 5,17 metros, hecho en mármol blanco).

4. Pintura Renacentista (Generalidades e Innovaciones)

En la pintura renacentista los temas religiosos se trabajaron de manera mucho más libre que en la Edad Media. Las representaciones eran más detallistas, con un estudio profundo de la luz, de la sombra, del volumen y de la perspectiva (la gran innovación pictórica de este período).

• Punto de fuga: Los pintores trabajaron con base en un punto de fuga. Se suponía que era allí donde la atención del espectador se concentraba y, por ende, generalmente debía ubicarse en ese sitio al personaje principal.
• Nuevas técnicas: Empezaron a trabajar con óleo (técnica que dominaron y perfeccionaron) y se inició la pintura de caballete, lo que les facilitó el traslado de las obras.

5. El Mayor Apogeo de la Pintura (Siglo XVI)

Durante las primeras décadas del siglo XVI, Roma coincidió como el sitio de trabajo de los tres artistas más grandes, quienes dejaron obras sumamente valiosas:

A. Leonardo Da Vinci (1451–1519)

• Destacó por el realismo con el que ejecutó sus obras.
• Sfumato («esfumado»): Técnica que empleó para dar profundidad.
• Empleó la perspectiva, el punto de fuga y aplicó la divina proporción en sus trabajos.
• Sus personajes revelaban sus emociones, aunque también fueron enigmáticos (como en La Gioconda).
• Hizo un estudio pormenorizado de la anatomía humana y estudió cómo crear ambientes en sus obras.
• Obras: La Gioconda, La última cena (pertenece al período milanés, hecha en temple y óleo sobre yeso), La Virgen de las Rocas, y Santa Ana, la Virgen y el niño (realizada entre Milán y Florencia).

B. Rafael Sanzio (1483–1520)

• Sobresalió por el preciosismo y equilibrio con los que hizo sus obras.
• Sus Madonas (como la Madona del gran duque) han sido tildadas de inexpresivas, pero podría decirse que reflejan serenidad.
• Su pintura más famosa es una apología a la cultura clásica: El fresco titulado La escuela de Atenas, el cual alude a dos de los filósofos más importantes de la Antigüedad, Platón y Aristóteles, quienes se encuentran retratados en el centro de la composición.

C. Miguel Ángel Buonarroti (1475–1564)

• Fue pintor, escultor y arquitecto. Exaltó el cuerpo humano hasta su máxima expresión.
• Hizo obras de gran impacto y experimentó con el escorzo (figuras en posturas forzadas o con profundidad). Sus personajes asemejan esculturas.
• Obras: El techo de la Capilla Sixtina (donde recreó pasajes bíblicos, como La creación del hombre).
  • El juicio final: Fresco que igualmente se encuentra en la Capilla Sixtina del Vaticano, pues los personajes parecieran elevarse mientras son juzgados por Jesús crucificado.

6. El Manierismo

A mediados del siglo XVI se modificaron y se enriquecieron los principios del equilibrio y serenidad clásicos. Surgió entonces el manierismo.

• Definición: Traducido también como «manera o amaneramiento», para Giorgio Vasari fue sinónimo de «estilo».
• Contexto: En este período influyó la Reforma protestante, en una época crítica en lo social y lo cultural.
• Teoría: Uno de los primeros teóricos que estudió este período con profundidad fue Arnold Hauser, autor de Historia social de la literatura y el arte (1951).
• Características: Los pintores de esta época evitaron representar la naturaleza y pintaron lo que parecía irreal e ilógico.
• Artista destacado: Parmigianino (Girolamo Francesco Maria Mazzola, 1503–1540). Se le conocía así debido a su baja estatura, y en sus obras le gustaba alargar las figuras.

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