Música Profana en la España del Renacimiento

La música profana en la España del Renacimiento tuvo centros de gran importancia en ciudades como Salamanca, Valladolid, Madrid y Sevilla. Este repertorio se recopilaba en los llamados cancioneros. Antes de 1520, estos eran principalmente manuscritos, pero posteriormente comenzaron a ser impresos, facilitando su difusión.

El Cancionero de Palacio y el Villancico

Un cancionero es un recopilatorio de canciones. El principal de esta época es el Cancionero de Palacio, cuya compilación se sitúa a principios del siglo XVI (alrededor de 1515 o 1520) y tradicionalmente se atribuye a la corte de los Reyes Católicos.

Entre los tipos de piezas más destacadas se encuentran las villanescas o villancicos. Originalmente, eran canciones populares cantadas por los villanos en momentos de ocio. Con el tiempo, esta forma popular se fue haciendo culta, refinándose bajo la influencia del estilo franco-flamenco (similar al de Josquin), incorporando contrapunto imitativo y textos más elaborados.

• Características del Villancico: Están hechos para ser cantados, por lo que el texto se adapta a la música. No poseen una métrica específica, permitiendo el uso de cualquier verso. Aunque su estructura es libre, deben incluir un estribillo y estrofas.
• Juan de la Encina: Es el autor que más aparece en el Cancionero de Palacio después de los anónimos. Escribió villanescas de carácter popular. Destaca su obra “Hoy Comamos y Bebamos”, muy popular tanto en texto como en música.
• Juan Vázquez: En la compilación de 1550, destaca Vázquez, quien ya utilizaba la técnica franco-flamenca y escribía villanescas cultas. Su obra “¿De dónde venís, amores?” es notable.
• Francisco Guerrero: Aunque no aparece en el Cancionero de Palacio, fue un compositor muy importante y Maestro de Capilla de Sevilla. Destacan sus canciones y villanescas espirituales, complejas y de gran calidad. Un ejemplo es “Niño Dios de Amor Herido”.

A finales del siglo XVI, el villancico se había transformado en un género cultivado casi exclusivamente para la religión, especialmente en Navidad.

El Romance

Otra forma importante de la época fue el Romance. Se caracteriza por tener versos de dieciséis sílabas, divididos en dos hemistiquios, con rima asonante solo en los versos pares (octosílabos). Los romances son narrativos y su principal importancia reside en el texto, pudiendo ser extremadamente largos.

La Música y los Conflictos Religiosos del Siglo XVI

La Reforma Protestante y sus Consecuencias Musicales

El siglo XVI, cúspide de la música católica, coincidió con la turbulenta Reforma Protestante, que supuso una ruptura en la unidad del pensamiento religioso europeo. La difusión de las ideas de Martín Lutero fue posible gracias a la imprenta, algo que no había ocurrido con movimientos reformistas anteriores. Además, los reyes y la política jugaron un papel crucial al apoyar a Lutero, buscando debilitar a la Iglesia Católica, que poseía gran poder territorial e informativo. La Iglesia Protestante resultante pasó a ser nacional y a merced del Estado.

La Reforma fue un movimiento no unitario, fragmentándose en diversas iglesias. La importancia de la Reforma en la música dependió directamente de la doctrina de cada iglesia:

H4. El Luteranismo

Los luteranos amaban la música, implementaron la educación musical y la consideraron muy positiva. Los fieles cantaban para conectarse con Dios, pero utilizando piezas sencillas, homofónicas y de fraseo regular, conocidas como corales. Destacan los libros de corales de Johann Walter de 1524, como el Geystliches gesang Buchleyn.

H4. El Calvinismo

Los calvinistas desconfiaban profundamente de la música. Solo permitían el canto de salmos, traducidos de forma métrica y en verso, muy sencillos para evitar la distracción del texto. El Salterio de Ginebra es la obra más representativa.

H4. El Anglicanismo

El anglicanismo eliminó la estructura monacal que sostenía la capilla musical (monasterios y colegiatas). Crearon formas musicales propias como el Service (similar a la Misa) y el Anthem (similar al motete, una pieza religiosa inglesa).

El Concilio de Trento y la Música Sacra

Los católicos buscaban reformar la Iglesia, no romperla. Aunque muchos obispos pidieron un concilio tras Lutero, Carlos V lo postergó por intereses políticos. Cuando el Concilio de Trento finalmente se inauguró en 1545, la ruptura ya era inevitable. El Concilio, que se extendió hasta 1563, intentó ordenar el gran caos doctrinal existente.

Las decisiones de Trento influyeron directamente en la liturgia y, por ende, en la música, aunque esta apenas fue tratada de forma específica. Los puntos clave fueron:

• Unificación de la Liturgia: Se buscó clarificar y estandarizar la liturgia.
• Crítica a la Polifonía: Se criticó la polifonía excesivamente compleja que hacía ininteligible el texto.
• Materiales Profanos: Se criticó la inserción de materiales profanos, aunque esto terminó siendo solo una recomendación y fue ampliamente ignorado.
• Reforma del Canto Gregoriano: Se planteó una reforma del canto llano.

Mediante el Editio Medicea de 1614, a cargo de Felipe Anerio y Francesco Soriano, se implementaron cambios drásticos: se eliminaron todas las secuencias excepto cuatro, se estandarizó la Misa de Difuntos, se redujo el canto gregoriano al mínimo y se hicieron obligatorias las ediciones del Breviario y del Misal (salvo excepciones).

H4. Formas de la Música Sacra Post-Trento

En las formas de la música sacra, continuaron la Misa de Cantus Firmus, la Misa Paráfrasis, la Misa Parodia, la Misa Canon y la Misa Libre. La Misa Paráfrasis y la Misa Parodia adquirieron especial importancia. El motete siguió siendo relevante, y los oficios, especialmente los de Semana Santa y Difuntos, se potenciaron y embellecieron.

Compositores Clave del Renacimiento Tardío

Giovanni Pierluigi da Palestrina: El Estilo Romano

Palestrina desarrolló su estilo en Roma. Es una figura vital, cuyo estilo fue enormemente influyente hasta el siglo XX. Aunque circuló la leyenda de que gracias a él se salvó la polifonía en el Concilio de Trento, esto es un mito. Su importancia radica en que su estilo se convirtió en un modelo normativo, estudiado y copiado universalmente. Escribió tratados de contrapunto que establecieron reglas estrictas:

• Intervalos Prohibidos: Prohibía intervalos aumentados y disminuidos, saltos de séptima, sexta mayor y mayores que la octava. La sexta menor solo se permitía en sentido ascendente.
• Movimiento Melódico: La parte ascendente de la melodía debía ser más abrupta y la descendente más pausada.
• Disonancia: La disonancia no debía durar más de una mínima y debía estar preparada. Los retardos solo estaban permitidos en movimientos descendentes.
• Imitación: En las secciones imitativas, las voces debían superponerse para formar acordes perfectos en las entradas de cada voz.
• Texto: La acentuación del latín debía respetarse rigurosamente.

Se conservan más de 700 obras suyas, incluyendo 104 misas y repertorio de todos los grandes géneros, incluso obras policorales.

Francisco Guerrero y Tomás Luis de Victoria: Maestros Españoles

H4. Francisco Guerrero

Guerrero desarrolló su estilo en Sevilla, con una estética cercana a Cristóbal de Morales. Escribió muchísimo repertorio mariano y religioso. Poseía una gran calidad técnica de contrapunto, distinto al de Palestrina, caracterizado por ser muy imitativo y con una amplia imitación musical del texto. Escribió motetes, misas y canciones y villanescas espirituales.

H4. Tomás Luis de Victoria

Victoria fue un compositor español que desarrolló su estilo en Ávila, Roma y Madrid. Fue un compositor contrarreformista, por lo que nunca escribió una obra profana ni utilizó un cantus firmus secular; su repertorio es prácticamente todo sacro y muy religioso. Su contrapunto era mucho más libre y flexible que el de Palestrina, lo que lo hacía más brillante. Escribió motetes, misas y, sobre todo, muchos oficios de Semana Santa.

Orlando di Lasso: El Madrigalismo Expresivo

Orlando di Lasso fue un compositor muy prolífico, líder en prácticamente todos los géneros sacros y profanos. Compartía la obsesión típica de la tercera etapa del madrigal de trasladar el texto a la música (madrigalismo). Trasladaba formalmente el texto mediante secciones irregulares, distintas duraciones, densidades y estilos, de acuerdo con el carácter del texto. También empleaba la atonalidad triádica, como se observa en su obra “Profecías de la Sibila”.

Giovanni Gabrieli y la Música Policoral Veneciana

Giovanni Gabrieli desarrolló su estilo en Venecia. Su obra Sacrae Symphoniae de 1597 utiliza contrastes a todos los niveles, mostrando un estilo teatralizado y empleando motetes grandiosos y policorales. Gabrieli jugaba con la distribución del espacio (estereofonía), creando un efecto donde la música variaba según la posición del oyente, con cálculos muy precisos y una imaginación innovadora para la época.

Formas de Variación en el Renacimiento y el Barroco

Gran parte del repertorio de estas épocas, especialmente la improvisación, nos es desconocido, ya que las variaciones e improvisaciones eran prácticas comunes que no siempre se escribían en partituras. Hay tres grandes tipos de variaciones:

1. Variaciones sobre una melodía: Aunque es común en la actualidad, no era lo más típico en la época. En francés, las variaciones de un tema original se denominan Double. Un ejemplo posterior son las Variaciones Goldberg de Bach.
2. Variaciones sobre un bajo y variaciones sobre una armonía recurrente: Son muy utilizadas por ser más sencillas y permitir un desarrollo prolongado. Generalmente, las variaciones sobre un bajo implican una armonía recurrente, aunque no viceversa.

H3. Estructuras de Variación

• Renacimiento: La estructura más conocida es el bajo de romanesca, una estructura sencilla que alterna entre el modo mayor y menor. En español se conocían como Diferencias sobre “Guárdame las vacas”.
• Barroco: Las variaciones más utilizadas son los patrones de la Chacona, la Passacaglia y la Folía, que fueron muy populares y se siguen utilizando hasta el presente.

Instrumentos Musicales del Renacimiento y el Barroco

Instrumentos del Renacimiento

H4. Viento Madera y Metal

• Chirimía: Instrumento del que evoluciona el oboe. No tenía llaves, poseía proporciones distintas al oboe moderno y era muy rústico.
• Bajón: Instrumento del que evoluciona el fagot. Se usaba sobre todo para sustituir la voz del bajo en el canto. Fue reemplazado por el fagot barroco.
• Flauta de Pico: Importante como solista y como familia de instrumentos. Desapareció por su limitada proyección y sus limitaciones técnicas, siendo reemplazada por el Traverso barroco.
• Cornetto: Instrumento muy importante y apreciado, consistente en un cuerno vacío envuelto en cuero, con una embocadura de viento metal (similar a la trompeta). Era muy complejo de tocar debido a su difícil embocadura y su posición antianatómica.

H4. Cuerda

Se distinguen tres familias principales:

• Cuerda Frotada: Destaca la Viola da Gamba. Era una familia completa de instrumentos (el consort), utilizada tanto individualmente como en conjunto. Tenía una forma distinta al violín, trastes y una afinación diferente. Aunque fue importante como solista en Francia, fue superada en popularidad por el violín barroco debido a su timbre apagado y poca proyección.
• Cuerda Pulsada:
  • Vihuela: Instrumento similar a la guitarra, de gran importancia en España, sin parangón en Europa. Se escribieron siete libros dedicados exclusivamente a este instrumento, lo que demuestra su popularidad. Sus autores clave fueron Luys de Milán, Luis De Narváez, Alonso de Mudarra, Enrique de Valderrábano, Diego Pisador, Miguel de Fuenllana y Esteban Daza.
  • Laúd: Instrumento con el fondo ahuevado. A través de innovaciones (segundo mástil, cuerdas dobles), evolucionó hasta la Tiorba, que tenía un registro mucho más grave y era muy apreciada en la época.
• Cuerda de Teclado: Tenían muchos timbres y posibilidades. Destacan el Virginal, el Clavicordio y, principalmente, el Clave. El clave no tenía graduación dinámica y sus cuerdas eran pulsadas con una o dos púas.

Instrumentos del Barroco

En el Barroco, la música instrumental se basó en el perfeccionamiento de los instrumentos renacentistas, lo que amplió sus posibilidades y llevó al declive de los modelos anteriores.

H4. Cuerda Frotada

• Violín Barroco: Apareció en Cremona, desarrollado por familias de luthiers. Sus posibilidades tímbricas eran muy superiores a las de la Viola da Gamba. Podía tocar cualquier tonalidad con facilidad, ofrecía gran flexibilidad con el arco y proyectaba mucho más. Tenía cuerdas de tripa, el diapasón muy pegado y el puente más bajo, aunque era similar al violín actual.
• Cello Barroco: Similar al actual, pero no utilizaba pica y se sujetaba entre las piernas.

H4. Cuerda Pulsada

• Laúd y Tiorba: Siguieron siendo importantes, manteniendo las innovaciones desarrolladas al final del Renacimiento.
• Guitarra Barroca: Emparentada con la vihuela, aunque no es su antecesora directa. Tenía cinco cuerdas y era pequeña, utilizada sobre todo para música popular.
• Clave: Mantuvo su importancia como instrumento de teclado principal.

H4. Viento

• Traverso Barroco: Derivado de la flauta de pico, a la que destituyó. Es el antecedente de la flauta travesera moderna. Tenía forma cónica, cuerpos intercambiables para afinar, era de madera y ofrecía un color sonoro más cálido y mayores posibilidades técnicas.
• Oboe Barroco: Evolucionado de la chirimía, con el cuerpo más pulido. No tenía sistema de llaves, pero ofrecía mayor complejidad técnica y posibilidades.
• Fagot Barroco: Evolucionado del bajón, con mucho más registro y posibilidades. No tenía un sistema de llaves, pero era importante a nivel solista.
• Otros instrumentos de viento metal: Trompeta barroca, Trompa barroca y Sacabuche.
• Órgano: Tuvo una importancia fundamental desde su creación, siendo muy utilizado, especialmente en la música religiosa.

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