Arte Griego

Arquitectura Griega: Los Órdenes Clásicos

Los órdenes arquitectónicos fundamentales utilizados en el mundo griego fueron el Dórico, el Jónico y el Corintio.

• Dórico: Fue el más antiguo. Las columnas carecen de basa, apoyándose directamente en el suelo. El fuste o cuerpo de la columna está dividido en secciones, llamadas tambores, y trabajado en toda su longitud con aristas vivas. El capitel lleva una moldura cuadrada llamada ábaco, con un núcleo convexo denominado equino. El arquitrabe o viga situada sobre el capitel es liso, ornamentado con un friso dividido y cornisa.
• Jónico: Estilizado y más esbelto que el Dórico. Las columnas se apoyan sobre una basa y el fuste es continuo y con aristas. El capitel lleva una moldura cuadrada, más fina que la del Dórico, y una decoración en volutas.
• Corintio: Semejante al Jónico, a excepción del capitel, que está provisto de una moldura fina, más larga que en el Jónico, y de una decoración que imita una cesta de hojas de acanto.

En los tres estilos, la cubierta es un tejado de dos vertientes que, al encontrarse con el arquitrabe recto, da lugar a un espacio triangular denominado Frontón.

Estructura y Tipología de los Templos Griegos

Los templos griegos no eran lugares a los cuales la gente pudiera entrar para llevar a cabo un tipo determinado de oración.

En la planta de un templo helénico existían tres partes bien diferenciadas:

1. Pronaos o vestíbulo.
2. Naos o nave principal (la parte más importante, donde se colocaba la estatua de la divinidad).
3. Opistódomos o sala de ofrendas.

Según la disposición de las columnas, se distinguen varios tipos de templos:

• Próstilo: Con columnas delante.
• Anfipróstilo: Con columnas delante y detrás.
• Tholos o Monóptero.
• Díptero: Con dos filas de columnas alrededor.
• Períptero: Con una fila alrededor.

Según el número de columnas en la fachada, puede ser:

• Dístilos: Con dos columnas delante.
• Tetrastilos: Con cuatro columnas delante.
• Hexástilos u Octástilos: Con seis y ocho columnas, respectivamente.

La Escultura Griega: Evolución y Estilos

La escultura griega se divide tradicionalmente en tres grandes etapas:

Etapa Arcaica (c. 650-480 a.C.)

Las esculturas de esta época, en su mayoría, son representaciones de sacerdotisas (Korai) o atletas masculinos (Kouroi). En ellas se observaba la influencia del arte de otras culturas antiguas del Próximo Oriente. La figura humana se representa con una actitud rígida y de manera marcadamente simétrica.

Etapa Clásica (c. 480-323 a.C.)

Se corresponde con la búsqueda de la belleza ideal a través del equilibrio y la armonía. Se conocen los nombres de bastantes artistas de este periodo, que llevaron el arte griego a su época de esplendor:

• Mirón: Famoso por su Discóbolo, que representa el movimiento en potencia.
• Policleto: Célebre por haber establecido su canon ideal del cuerpo humano, así como por el llamado «ritmo deambulatorio» que desarrolló en obras como el Doríforo.
• Fidias: Conocido como el escultor de los dioses. A él se deben la mayoría de los relieves del Partenón, caracterizados por su serena belleza, así como las gigantescas estatuas crisoelefantinas de Atenea y de Zeus Olímpico.
• Praxíteles: Sus figuras escultóricas destacaron por su elegancia y flexibilidad, tal y como puede verse en Hermes, que muestra una peculiar curvatura del cuerpo que se conoce como la Curva Praxiteliana.

Etapa Helenística (c. 323-31 a.C.)

Con la decadencia de las polis griegas, comenzó otro periodo para la escultura griega en el que se fue abandonando progresivamente esa serenidad clásica para avanzar hacia un mayor realismo. A partir de ese momento, ya no se rechazaba lo que pudiera ser agitado e incluso doloroso, es decir, lo más dramático. Aumentó la expresividad de los rostros y se generalizó la representación del movimiento enérgico e incluso el desequilibrio. En esta época se esculpieron los grandes grupos escultóricos, como el célebre Laocoonte.

Arte Romano

Arquitectura Romana: Innovación y Funcionalidad

Roma tomó del mundo griego los aspectos básicos de su arquitectura, pero también utilizó elementos arquitectónicos de la civilización etrusca. A los tres órdenes griegos, los arquitectos romanos sumaron otros dos:

• Orden Toscano: Procedente de la arquitectura etrusca y que en realidad es una derivación del Dórico griego. Las columnas toscanas tienen el fuste sin aristas y se apoyan en una basa que a veces se levanta sobre un pedestal o podium.
• Orden Compuesto: Cuyo capitel presenta una combinación de las volutas del Jónico y de las hojas de acanto del Corintio. Las columnas a veces presentan el fuste sin aristas y se levantan sobre un pedestal o un podium.

Innovaciones Estructurales Romanas

Una importante diferencia respecto a la arquitectura griega es el uso del arco semicircular o de medio punto, un legado de la civilización etrusca con infinitas posibilidades y aplicaciones arquitectónicas.

La Bóveda de Cañón, prolongación del arco de medio punto (también conocido por los etruscos), fue un nuevo sistema de cubierta para los edificios que permitió a los romanos realizar construcciones de gran envergadura. Con este tipo de bóveda se podían levantar muros muy resistentes con numerosos huecos para construir edificios destinados a grandes multitudes, como circos, teatros y anfiteatros.

En el interior de estas construcciones se utilizó la llamada Bóveda Anular (en forma de anillo). Mientras la arquitectura adintelada no podía soportar grandes pesos encima, el arco de medio punto y la bóveda de cañón permitían un reparto más equilibrado del peso y, por tanto, soportar cargas mayores. Las bóvedas y arcos se construían sobre cimbras o armaduras de madera.

Un tipo extraordinario de cubierta es la Cúpula o bóveda circular, utilizada en grandes edificios como el Panteón de Roma. La llamada arquitectura civil adquirió un desarrollo desconocido hasta entonces, incluido el mundo griego.

Escultura Romana: Retrato e Historicismo

Escultura de Bulto Redondo

Por la influencia griega, como en tantos otros aspectos, las estatuas romanas exentas o de bulto redondo eran trabajadas en mármol, aunque también encontramos suficientes ejemplos de esculturas romanas en bronce. Desde un principio, uno de los temas predominantes de la estatuaria romana fue el retrato de los personajes importantes de su tiempo. Así, poseemos una abundante galería de políticos y gobernantes romanos cuyo aspecto físico ha sido conservado gracias a sus bustos y retratos.

Durante la época imperial, la figura del emperador aparece ataviada con coraza o toga, los atributos de su poder militar y civil, respectivamente. Muchas esculturas griegas fueron copiadas por los artistas romanos, si bien estamos ante un arte anónimo; es decir, a diferencia del mundo griego con su largo listado de artistas, el mundo romano raramente nos ha proporcionado nombres que podamos nombrar ahora.

Se continúa la tradición helénica de intentar reproducir la proporción ideal del ser humano, unida a una cierta serenidad y equilibrio. En el siglo I a.C., por ejemplo, seguía triunfando el canon de Policleto. Se limita el desnudo a los temas de mitología, frente a la tradición griega que reproducía también atletas. Con el paso del tiempo, la escultura romana avanzó hacia el realismo, abandonando poco a poco el idealismo griego.

El Relieve Histórico

Junto a la escultura de bulto redondo o exenta, en Roma se desarrolló el relieve histórico-conmemorativo. Normalmente, estos relieves se esculpían en monumentos como los arcos de triunfo o las columnas conmemorativas, la más conocida de las cuales es la Columna Trajana en Roma. A través de estos relieves es posible aprender una gran cantidad de detalles acerca de la vestimenta romana, el uniforme militar y las armas, o la construcción de campamentos, que suelen ser muy realistas. Desde el punto de vista técnico, se distinguen varios planos en un mismo relieve.

Pintura y Mosaico Romanos

La Pintura al Fresco

Hasta el descubrimiento de las pinturas de Pompeya y Herculano a mediados del siglo XVIII, no se conocía bien en Europa la pintura romana. Hoy, sin embargo, es posible establecer una serie de rasgos característicos de la misma. Se trata de una pintura al fresco, es decir, aquella en la que el color se aplica sobre la pared humedecida. Al secarse el muro, la pintura queda incorporada al mismo.

Introduce fondos arquitectónicos que sirven de marco a las pinturas, siendo a veces una arquitectura de carácter imaginario o irreal, que utiliza colores muy llamativos. También se caracteriza por una cierta elegancia y naturalidad.

El Mosaico

Una forma especial de arte pictórico en Roma fue el mosaico. La técnica del mosaico consiste en cubrir una superficie plana con pequeñas piezas de formas más o menos cuadradas, talladas en piedras de diferentes colores, llamadas teselas. Con estas piezas, igual que en un rompecabezas, se van formando los dibujos y diseños que se deseen, que pueden llegar a ser escenas, a veces muy complejas, igual que un tapiz.

Glosario de Elementos Arquitectónicos (Teatro y Circo)

Orchestra:

Círculo/semicírculo entre la escena y las gradas.

Cavea:

Gradas destinadas a los espectadores.

Scaena/Skene:

Pared o edificio no muy alto que hacía de telón de fondo.

Aditus/Parodos:

Acceso descubierto que había a cada lado de la orchestra, por donde se entraba a esta y a las gradas.

Arena:

Pista central donde se desarrollaban las carreras, delimitada por un muro.

Spina:

Muro estrecho y alargado situado en el centro de la arena.

Carceres:

Cocheras para los carros y los caballos, donde los aurigas esperaban el momento de situarse en la meta de la salida.

Metae:

Colocadas al final de la spina de forma circular para facilitar el giro a los carros.

Porta Triumphalis:

Lugar reservado para la salida del vencedor, en el lado contrario a las carceres.

Tribunal:

Lugar privilegiado de las gradas, en línea con la meta de llegada.

Fossa:

Construcción subterránea para guardar.

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