29 Jun
Definición de Arte
El Arte se define como la “manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros”. A través de él, el individuo manifiesta un mensaje mediante distintos elementos sensibles sobre diversas cuestiones que pueden proceder de su imaginación, de su experiencia vital o de su contexto.
Las Vanguardias Artísticas: Un Recorrido Histórico
Vanguardias Históricas
- Se desarrollan con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial (hasta mediados del siglo XX).
- Se aglutinan en torno a determinados focos europeos: Italia, Alemania y, sobre todo, Francia.
- Poseen un marcado carácter político.
- Establecen prácticamente todas las bases del arte posterior.
Vanguardias Contemporáneas
- Son posteriores a la Segunda Guerra Mundial.
- El foco artístico cambia radicalmente a Nueva York.
- Pierden el carácter más trascendentalmente político y se centran en diversas reflexiones estéticas, más enfocadas en el propio arte.
- El arte se empapará de las estructuras capitalistas dominantes del mercado norteamericano.
Movimientos Clave del Arte Moderno
El Impresionismo: El Amanecer del Arte Moderno
El Impresionismo es considerado el inicio del arte moderno por su ruptura con los valores académicos. Aporta una nueva forma de concebir el arte, más libre y subjetiva, aunque mantiene un carácter figurativo y amable que lo hace popular. Surge en París en 1874, cuando un grupo de artistas cansados del rechazo en el Salón de París organiza su propia exposición. Figuras clave fueron Monet, Renoir, Degas o Pissarro.
El estilo se caracteriza por una apariencia inacabada, pinceladas sueltas y rápidas, y un fuerte interés por captar la luz, el ambiente y el instante. Influyó en ellos la fotografía, el grabado japonés (*ukiyo-e*) y el trabajo al aire libre, lo que les permitió lograr un colorido brillante y efectos atmosféricos únicos. Abandonan los temas históricos para centrarse en escenas cotidianas y urbanas.
Monet fue el referente principal. Su obra *Impresión, sol naciente* dio nombre al movimiento. Otras series como *Los nenúfares* muestran ya una tendencia hacia lo abstracto. Por su parte, Rodin, en escultura, deja la obra con un acabado expresivo y abierto, jugando también con la luz y la forma.
El Neoimpresionismo: Ciencia y Color en la Pintura
El Neoimpresionismo surge como una evolución del Impresionismo, cuando artistas como Seurat, Signac y Lucien Pissarro empezaron a alejarse de la espontaneidad típica del estilo. Consideraban que el Impresionismo había llevado demasiado lejos la pérdida de forma y la representación de lo efímero, y por eso buscaban una pintura más estructurada y científica.
El crítico Félix Fénéon acuñó el término “neoimpresionismo” para describir su trabajo. Su base teórica era el divisionismo, una técnica que consistía en aplicar puntos de color puros directamente sobre el lienzo, sin mezclarlos en la paleta. Así, el color se fusiona en el ojo del espectador y no en la pintura. Este efecto visual se conoce como puntillismo.
En obras como *Un domingo por la tarde en la isla de la Grande Jatte* (comúnmente conocida como *La Grande Jatte*), Seurat consigue figuras más definidas, con volúmenes casi geométricos, y un equilibrio entre la luz impresionista y la estabilidad formal. El Neoimpresionismo representa un intento de dar racionalidad y método al arte moderno, basándose en la ciencia del color y la percepción óptica.
El Expresionismo: La Expresión del Alma Interior
El Expresionismo surge a partir de 1905 como una respuesta contraria al Impresionismo. Mientras que este buscaba captar la impresión de la realidad exterior, el Expresionismo busca expresar el mundo interior del artista, sus emociones, angustias y visiones subjetivas.
Tiene especial desarrollo en Alemania, donde dos grupos fueron fundamentales: *Die Brücke* y *Der Blaue Reiter*. El primero, fundado en Dresde, tenía una ideología utópica y buscaba unir arte y vida, aunque paradójicamente sus obras reflejaban una visión oscura del mundo. Kirchner, uno de sus miembros, combinaba el uso fauvista del color con figuras angulosas y distorsionadas que expresaban el estrés de la vida urbana.
*Der Blaue Reiter*, con artistas como Kandinsky y Franz Marc, tenía un enfoque más espiritual y abstracto. Defendían la libertad absoluta del artista y usaban el arte como medio de introspección. Kandinsky creía que el arte debía ser como la música: una expresión pura del alma, liberada de la representación realista. Su obra fue evolucionando hacia la abstracción geométrica.
El Expresionismo influyó en todas las artes del siglo XX, destacando por su defensa del arte como medio de expresión individual y subjetiva.
El Cubismo: La Fragmentación de la Realidad
El Cubismo nace oficialmente con *Las señoritas de Aviñón* de Picasso en 1907 y se consolida con su colaboración con Braque. Rechazan la representación naturalista y buscan una forma más intelectual de mostrar la realidad, presentando los objetos desde múltiples puntos de vista simultáneos.
Se eliminan los colores realistas y se opta por una gama más sobria, para evitar que el color distraiga del estudio formal del objeto. Las formas se reducen a estructuras geométricas esenciales, descartando la apariencia superficial para centrarse en la idea del objeto. El Cubismo tiene dos fases principales:
Cubismo Analítico (hasta 1911)
Los objetos se fragmentan en planos casi abstractos y monocromos, buscando una representación intelectual de la forma.
Cubismo Sintético (a partir de 1911)
Introduce el *collage*, el color y formas más simples. Se suman materiales como papel o letras impresas que refuerzan los planos y las texturas, reintroduciendo elementos reconocibles.
El Cubismo fue una revolución formal, influida por Cézanne y el arte africano, que cambió para siempre la forma de entender la representación en la pintura.
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