1.3. La Monodía: Peri y Caccini

Una de las características más particulares de los comienzos del siglo XVII es el stile rappresentativo o recitativo, también llamado monodía. Consistió en una línea melódica solista con acompañamiento acordal (Stile moderno o seconda prattica), y supuso el final del estilo contrapuntístico imitativo propio del Renacimiento (Stile antico o prima prattica). La monodía fue una gran innovación, creación de la Camerata Florentina.

Caccini y Peri fueron miembros activos de esta asociación y, basándose en Platón, afirmaban que el compositor debe iniciar su labor considerando la letra, el ritmo y luego las notas y no al revés. Esta afirmación significa que la música está al servicio del texto.

1.4. Ópera in Musica

La ópera “in musica” es un término utilizado para definir la tendencia musical que se puso de moda a comienzos del siglo XVII, cuyo objetivo era reflejar el contenido del texto. Asociado a este término, encontramos también el “estilo concertato”, que nació con Gabrieli en la capilla de San Marcos de Venecia con los coros dobles o spezzati, que hacían del espacio una nueva herramienta musical. La organización espacial de una obra en dos masas opuestas de sonido se vio realzada por la utilización de instrumentos usados conjuntamente, o de manera alternada con las voces.

1.4.1. La Camerata Fiorentina

Giovanni Bardi fue un noble cortesano, inventor de los escenarios para los intermedios. Era el impulsor de un grupo de intelectuales, filósofos, pensadores, literatos y músicos llamado “La Camerata”, dedicados a la investigación, discusión y experimentación sobre la música griega y el poder de las tragedias para hacer aflorar las emociones.

La Monodía acompañada comenzó en este ambiente florentino, donde hubo un intento de revivir el drama del estilo musical de la antigua Grecia, mediante la monodía, un canto declamado sobre un acompañamiento instrumental simple (similar ya al bajo continuo). El contraste con el estilo polifónico, entonces dominante, resultó absoluto. Inicialmente la monodía fue utilizada solo en música profana.

Otro de los puntos importantes de la Camerata era la oposición al uso de la disonancia y el uso del “Word painting” como recurso de enfatización del texto. El propio Caccini, en la introducción de su libro Le nuove musiche, publicado en Florencia en 1602, agradece a la Camerata de Bardi el apoyo que le mostraron y las instrucciones compositivas que le proporcionaron, según los ideales de Platón. Según estas ideas filosóficas, la música es la palabra, a la que luego se le adapta el ritmo y la armonía, pero no al contrario. Este estilo al que se refirió Caccini se llamaría recitativo. La Camerata Fiorentina vio el nacimiento de las primeras óperas según el estilo de recitativo en manos de Caccini y de Peri, con su ópera Euridice.

1.5. La Teoría de los Afectos

Un rasgo común de los compositores del Barroco fue su intento de expresar, o más bien de representar sentimientos por medio de la música. Esta característica no nace espontáneamente en esta época, sino que se evocaba ya en los años anteriores del siglo XVI, cuando los compositores de madrigales utilizaban textos de filósofos y poetas y empleaban técnicas compositivas como el cromatismo. La música tenía la libertad de ampliar el campo expresivo en cualquier dirección que la imaginación del compositor le permitiera. Esa libertad estimulaba el desarrollo del poder emocional de la música y elevaba su prestigio entre las artes.

1.6. Características de la Música Barroca

La música no fue ajena a los avances científicos que durante el Barroco siguieron el camino abierto por la curiosidad y deseo incansable de conocimiento de los genios del Renacimiento. Fruto de este interés innovador surgieron grandes e importantes cambios en la música de la época:

1. Expresión de las emociones. Se busca expresar las emociones haciendo un constante uso del contraste y de la espectacularidad, con puestas en escena muy teatrales. Además se desarrolló la “Teoría de los afectos”.
2. Gran uso del adorno. Melodías muy adornadas. El “horror vacui” fue la moda en todas las artes. Tanto la arquitectura, como la escultura y la pintura se llenaron de adornos. En el caso de la música, las melodías se volvieron recargadas, llenas de notas de adorno.
3. Armonía basada en el Sistema tonal. Se seleccionan únicamente 2 escalas de las 8 escalas medievales o modos: la escala de Do Mayor/La menor. El uso de estas escalas hace que la música barroca nos suene más cercana y familiar que la música anterior.
4. Ritmo mecánico e insistente. Muchas de las obras barrocas se basaban en una pulsación regular, rápida y repetitiva con acentos muy marcados.
5. La textura homófona o de melodía acompañada. Esta textura era la favorita de los compositores a comienzos del Barroco. Johann Sebastian Bach también siguió practicando el contrapunto tan popular en el Renacimiento.

4.1. Introducción a las Técnicas Vocales

Las técnicas musicales que se desarrollan hacia 1600 en la música vocal son principalmente el bajo continuo, la monodía, el estilo recitativo y el estilo concertado. Estas técnicas iban orientadas a mejorar la comprensión de los textos y conseguir una mayor espectacularidad en la interpretación. Si a todo esto le añadimos la idea «barroca» de unión de las artes (que se ve también, por ejemplo, en los retablos), resulta comprensible que el producto musical más claramente barroco sea la ópera.

Estilo Recitativo:

Estilo de declamación en la ópera, cantata, oratorio, etc., que se encuentra entre la palabra hablada y cantada, en la que la melodía sigue los acentos y ritmos de la voz hablada.

• El recitativo seco se acompaña solo con el continuo.
• El recitativo acompañado se acompaña con toda la orquesta.

Estilo Concertado:

Estilo que mezcla partes vocales y partes instrumentales. Técnica también para el estilo instrumental. Consiste en superponer distintos planos sonoros y timbres buscando el contraste.

Evolución de la Ópera Barroca

La ópera barroca pasó de los palacios a los teatros que crearon los empresarios. Este hecho tuvo una gran importancia a la hora de definir el estilo de las óperas. Al dejar el patrocinio de la nobleza, sobre todo en Italia, cada vez hay menos coros y el número de músicos de las orquestas se va reduciendo. La explicación es bien sencilla: con menos personas que intervinieran en una ópera, menos sueldos se tenían que pagar.

Generalmente, las óperas barrocas solían basarse en temas históricos o mitológicos, y se representaban en italiano. Esto permitía una mayor diversidad de tramas y la incorporación de la lengua como un elemento más de la expresión artística. Uno de los aspectos más llamativos de la ópera barroca fue el uso de tecnología en el escenario. Los diseñadores de escenografía hacían gala de su ingenio utilizando iluminación, maquinaria y decorados para crear efectos dramáticos y cautivadores. Estos elementos técnicos contribuían a crear un ambiente único y apropiado para cada ópera en particular.

4.2. La Ópera en Italia

Siete años después de la obra de Peri y Caccini, en 1607, se representa la primera obra maestra del género: Orfeo, de Claudio Monteverdi, sobre la misma historia mitológica. Esta vez sí fue un éxito, y al músico se le encargó la composición de una nueva ópera al año siguiente. Compuso Arianna, sobre el mito de Ariadna y Teseo, cuya música no se conserva, salvo la de la escena principal (el lamento de Ariadna al ser abandonada por Teseo en la isla de Naxos), que se hizo enormemente popular y fue transformada en cantata por el propio compositor.

4.2.1. L’Orfeo de Monteverdi

En el año 1607, Monteverdi realizó el estreno de su obra «Orfeo«, considerada por muchos como la primera ópera de la historia. Esta magistral pieza se caracterizó por su combinación de música y drama, lo que la hizo cualitativamente diferente de cualquier otra forma de arte anterior. Fue tal su impacto que, desde entonces, la ópera se convirtió en un fenómeno cultural sin precedentes, capaz de emocionar a públicos de todas las clases sociales.

Trabajo grupal: Orfeo de Claudio Monteverdi

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